2008 Vayu

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Vayu

Vayu, like Odradek, Fiori and Insiemi Instabili, belongs to a group of works in witch the multiplicity of parts “lacking a clear, recognizable order[read more=”Read More”less=”Read Less”]- as the artist says – seems to respondd to a pure need for growth; almost as if they were following their own secret impulses, expanding in the direction of least resistance”.
The form – the infinite, varied form through which life manifests itself – is the result of this impulse that knows no calm, driven by an overwhelming generative will that seems to have no goal other than reproduction.
In Vayu the twenty parts, with similar forms but different sizes, are scattered on the floor. The title is a Sanskrit term that can be translated as “wind, air, current.” These are jars, containers without bottom, so that paradoxically they can contain nothing. Vessels destined never to be filled, whose form evokes and at the same time negates the empty-full dialectic that is part of the form and function of any container. Crossed by air, these jars evoke the void and, at the same time, the impossibility of its representation.[/read]

Vayu. Terracotta, 20 elements, variable dimensions, 2008 [S0027]

2002 Vayu

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Vayu

(english version coming soon)

Vayu è l’elemento Aria. Di natura erratica, la qualità che lo caratterizza è quella del movimento. Grigiazzurro il suo colore. L’esagono la forma che gli attiene.[read more=”Read More”less=”Read Less”]Anahata è il suo chakra, il centro del cuore. Il suo mantra è YAM. Quello del tatto il senso ad esso corrispondente. Le mani, la pelle, tutto il sistema dei muscoli sono governati da Vayu. L’area che va da dal cuore al centro tra le sopracciglia è quella su cui si concentra, in Tattwashuddhi, l’attenzione del praticante. Coscienza, intelligenza, memoria sono di sua pertinenza nella sfera della psiche e della mente. Vigyanamayakosha è il suo kosha, corpo di conoscenza. Il suo soffio vitale è Udana, corrente pranica la cui energia opera nella regione del collo e del capo. Maha Loka il suo dominio, piano a cui accede il perfetto. Il Nord è il suo punto cardinale.
Tattwa è anche un cammino, un percorso: ogni opera individua una tappa all’interno di esso.[/read]

Vayu. Fresco on wall, 270×300 cm 2002 [TW0004]

Vayu. Details, 2002 [TW0004]

1999 Abbadia Ardenga – Vayu

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Abbadia Ardenga
Vayu

(english version coming soon)

Vayu è l’elemento Aria. Di natura erratica, la qualità che lo caratterizza è quella del movimento. Grigiazzurro il suo colore. L’esagono la forma che gli attiene.[read more=”Read More”less=”Read Less”]Anahata è il suo chakra, il centro del cuore. Il suo mantra è YAM. Quello del tatto il senso ad esso corrispondente. Le mani, la pelle, tutto il sistema dei muscoli sono governati da Vayu. L’area che va da dal cuore al centro tra le sopracciglia è quella su cui si concentra, in Tattwashuddhi, l’attenzione del praticante. Coscienza, intelligenza, memoria sono di sua pertinenza nella sfera della psiche e della mente. Vigyanamayakosha è il suo kosha, corpo di conoscenza. Il suo soffio vitale è Udana, corrente pranica la cui energia opera nella regione del collo e del capo. Maha Loka il suo dominio, piano a cui accede il perfetto. Il Nord è il suo punto cardinale.
Tattwa è anche un cammino, un percorso: ogni opera individua una tappa all’interno di esso.[/read]

In Toscana, nell’ambito di un seminario di “arte e yoga”, insieme con i miei allievi ho ripreso i Tattwa in forma installativa; qui, la pratica artistica faceva parte della pratica yogica e rappresentava all’interno della giornata il momento dedicato alla meditazione.

1978 Vibractions

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Vibractions

In february 1979 an experimental center for visual arts called Sixto/Notes opened in Milan, and precisely in a street called S. Sisto. The purpose of its founders[read more=”Read More”less=”Read Less”]—Ferruccio Ascari, Luisa Cividin, Daniela Cristadoro, and Roberto Taroini—was to follow two lines at once: the creation of an archive of film documents, and the production of an exhibition program of installations and performances able to express the artistic climate in Italy, Europe and United States at that time.
The main focus of the center was on experiences characterized by an intercontamination of languages aimed at re-defining the field of art, its boundaries and trends. This is the context in which “Untitled,” a sound installation and performance by Ferruccio Ascari, would be read: this work was conceived and created within a program of sound installations organized by the center, which included site-specific works by Lanfranco Baldi, Cioni Carpi, Giuseppe Chiari, John Duncan, Walter Marchetti, Gianni Emilio Simonetti, and Roberto Taroni, along with contributions by representatives of the most radical researches of those years: Ant Farm, BDR Ensemble, Nancy Buchanan, Chris Burden, Dal Bosco-Varesco, Guy de Contet, Douglas Huebler, Layurel Klick, Laymen Stifled, Paul Mc Carthy, Fredrick Nilsen, Barbara Smith, and Demetrio Stratos.
“Untitled” was an emblematic example of a research common at that time in which visual and sound elements were considered as indissolubly bound together, in an analysis which started from a deep reflection upon the categories of time and space in art. The paradoxical purpose of “Untitled” was to measure the architectural space by the use of sound, or even better, to find a sound equivalent of the architectural space; to walk through it in order to catch its specific volumetric, dimensional, visual, and acoustic qualities; to find the law by which it was governed and to establish a relation with the subject walking through it; and finally, to find a way of making the space respond to sound impulses until its own Sound was discovered, “the uniqueness and unrepeatability of its resounding in relation to what occurs within it”—as Ferruccio Ascari wrote in a presentation text of this work.
“Untitled” was subsequently reproposed in different sites, the eighteenth-century chapel of the University College of Pavia (1979) and the theatre Aut/Off in Milan (1980): on these occasions, the work was presented under the new titles of “Vibractions I” and “Vibractions II” and produced very different results not only at a sound level. The spatial qualities of each place (dimensions, volumes, architectural typology) were reproduced by a network of harmonic strings running through the floor, the walls, and the ceiling of the room: the strings were anchored at their ends to metal frustums of cones which served as resonance boxes. The sound equipment–designed and realized following mathematical proportions deduced by the environment’s volumetric ratios—became the instrument used to investigate the acoustic specificity of each space, to seize its innermost identity, or, in Ascari’s words, to “find out its own sound” and therefore to disclose its essence. The “epiphany” was committed to the moment of the performance, during which the environment/instrument was “played” by a variable number of instrumentalists/agents: by the use of plectrums, violin bows, and hammers, all of them made the harmonic strings vibrate according to a score that was also mathematically deduced by the volumetric ratios of the space.
Drops of water fell regularly from a cruet hanging from the ceiling onto a large iron disc anchored to a tripod: their sound, amplified through a microphone, punctuated the duration of the event. A looped video reproducing the environment while walked through by the agents/instrumentalists was projected onto the environment itself: the projector placed on a rotating base followed optically the path of the instrumentalists.
“Untitled” was composed of three interconnected levels—installation, performance and film. In the installation, the harmonic strings running throughout the walls were conceptually determined as “visible” sounds even before they were put in vibration. In the performance, the action exercised on the strings was an act of “dis/in/canto,” an Italian word which etymologically means exactly “something producing vibrations”: by resounding and lowering, the vibrations originated kind of an immaterial motion in the space and turned into “acoustic images,” while the environment became an instrument entirely run through by harmonic strings.
The video reproducing the environment and projected onto the environment itself gave shape to a sort of visual whirl, where projection and action became indefinitely knotted and untied, in a continuous relationship of illusion/disillusion.
Of this work, so conceptually and visually tied to the radical investigations of that time, only part of the equipment is left, along with a few meagre notes, a certain number of pictures, and a sound recording.
More than thirty years later, in 2012, Ferruccio Ascari will refer to this 1978 work in a recent series of environmental installations among which Vibractions 2012 and Casa Anatta [Non Io].[/read]

“Audio Works” Poster, Sixto notes, Milano, 1978

Vibractions II, installazione sonora, performance, Teatro OutOff, Milano, 1980 [PE0001]

Vibractions I, sound installation, performance, Chapel of the University College Cairoli, Pavia, 1979

Untitled, sound installation, performance, Sixto Notes, Milano 1978

Sketches

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Related Video: Vibractions 1978-2012. 06’34”, 2015

2008 Vayu

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Vayu

“Questa vita, cercandone il senso, è passata quasi tutta. Ancora me lo chiedo che senso abbia e uno straccio di risposta non mi viene. Ricerca infinita e infinito fallimento.[read more=”Read More”less=”Read Less”]Di quest’incapacità Vayu è paradigma: orci senza fondo. Cos’è un vaso senza fondo? Che te ne fai? Niente. Ti ricordi Eolo? Custodiva le anfore in cui Zeus aveva rinchiuso i venti. Vasi capaci di contenere l’incontenibile. Questi invece sono orci senza capacità. Sono fatti così, fatti per non contenere. Niente. Irrimediabilmente vuoti, li attraversa il vento. Stanno lì, vani, a dimostrare tutta la loro assoluta, irreparabile vanità.”
Vayu, come Odradek, Fiori e Insiemi Instabili, appartiene a un gruppo di lavori in cui la molteplicità degli elementi “in assenza di un ordine riconoscibile evidente – come dice l’autore – sembra rispondere a una pura esigenza di crescita; quasi seguissero un loro impulso segreto, si espandono là dove trovano minore resistenza”.
La forma – le infinite, mutevoli forme in cui il vivente si manifesta – è frutto di questo impulso che non conosce quiete, mosso da una volontà generativa incontenibile che pare non avere altra finalità se non quella riproduttiva.
In Vayu, venti elementi di forma simile, ma di diversa misura, sono collocati a terra in ordine sparso. Il titolo dell’opera è una parola sanscrita traducibile con “vento”, “aria”, “corrente”. Si tratta di orci, di contenitori senza fondo che pertanto, paradossalmente, non possono contenere nulla. Vasi destinati a non essere riempiti, la cui forma evoca e al contempo nega la dialettica vuoto-pieno che caratterizza la forma e la funzione di ogni contenitore. Attraversati dall’aria, questi orci evocano il vuoto e insieme la sua irrappresentabilità.[/read]

Vayu. Terracotta, 20 elementi, dimensioni variabili, 2008 [S0027]

2002 Vayu

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Vayu

Vayu è l’elemento Aria. Di natura erratica, la qualità che lo caratterizza è quella del movimento. Grigiazzurro il suo colore. L’esagono la forma che gli attiene.[read more=”Read More”less=”Read Less”]Anahata è il suo chakra, il centro del cuore. Il suo mantra è YAM. Quello del tatto il senso ad esso corrispondente. Le mani, la pelle, tutto il sistema dei muscoli sono governati da Vayu. L’area che va da dal cuore al centro tra le sopracciglia è quella su cui si concentra, in Tattwashuddhi, l’attenzione del praticante. Coscienza, intelligenza, memoria sono di sua pertinenza nella sfera della psiche e della mente. Vigyanamayakosha è il suo kosha, corpo di conoscenza. Il suo soffio vitale è Udana, corrente pranica la cui energia opera nella regione del collo e del capo. Maha Loka il suo dominio, piano a cui accede il perfetto. Il Nord è il suo punto cardinale.
Tattwa è anche un cammino, un percorso: ogni opera individua una tappa all’interno di esso.[/read]

Vayu. Pittura a secco su muro, 270×300 cm 2002 [TW0004]

Vayu. Particolari, 2002 [TW0004]

1999 Abbadia Ardenga – Vayu

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Abbadia Ardenga
Vayu

Vayu è l’elemento Aria. Di natura erratica, la qualità che lo caratterizza è quella del movimento. Grigiazzurro il suo colore. L’esagono la forma che gli attiene.[read more=”Read More”less=”Read Less”]Anahata è il suo chakra, il centro del cuore. Il suo mantra è YAM. Quello del tatto il senso ad esso corrispondente. Le mani, la pelle, tutto il sistema dei muscoli sono governati da Vayu. L’area che va da dal cuore al centro tra le sopracciglia è quella su cui si concentra, in Tattwashuddhi, l’attenzione del praticante. Coscienza, intelligenza, memoria sono di sua pertinenza nella sfera della psiche e della mente. Vigyanamayakosha è il suo kosha, corpo di conoscenza. Il suo soffio vitale è Udana, corrente pranica la cui energia opera nella regione del collo e del capo. Maha Loka il suo dominio, piano a cui accede il perfetto. Il Nord è il suo punto cardinale.
Tattwa è anche un cammino, un percorso: ogni opera individua una tappa all’interno di esso.[/read]

In Toscana, nell’ambito di un seminario di “arte e yoga”, insieme con i miei allievi ho ripreso i Tattwa in forma installativa; qui, la pratica artistica faceva parte della pratica yogica e rappresentava all’interno della giornata il momento dedicato alla meditazione.

1978 Vibractions

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Vibractions

Nel febbraio del 1978 si apre a Milano, in via S. Sisto 6, Sixto/Notes, centro sperimentale di arti visive. Intento dei fondatori -Ferruccio Ascari, Luisa Cividin, Daniela Cristadoro, Roberto Taroni-[read more=”Read More”less=”Read Less”]era quello di operare lungo due linee direttrici: la costituzione di un archivio di documentazione di films e video d’artista e la realizzazione di rassegne di installazioni e performances che rendessero conto del clima di ricerca di quegli anni in Italia, in Europa e negli Stati Uniti. L’interesse del centro era rivolto principalmente ad esperienze che si muovevano all’interno della contaminazione e dello sconfinamento dei vari linguaggi coll’intento di ridefinire il territorio dell’arte, i suoi confini, individuandone le linee di tendenza.
E’ in questo contesto che si situa “Untitled” , installazione sonora/performance di Ferruccio Ascari, ideata e realizzata nell’ambito di una rassegna di installazioni sonore che presentava in anteprima lavori site-specific di Lanfranco Baldi, Cioni Carpi, Giuseppe Chiari, John Dancan, Walter Marchetti, Gianni Emilio Simonetti, Roberto Taroni, insieme a materiali sonori di estrema attualità relativi al lavoro di alcuni rappresentanti della ricerca artistica più radicale di quegli anni: Ant Farm, BDR Ensemble, Nancy Buchanan, Chris Burden, Dal Bosco-Varesco, Guy de Contet, Douglas Huebler, Layurel Klick, Laymen Stifled, Paul Mc Carthy, Fredrick Nilsen, Barbara Smith, Demetrio Stratos. “Untitled”, l’installazione sonora di Ferruccio Ascari era, in tale contesto, un esempio emblematico di un filone di ricerca, tipico di quegli anni, che vedeva indissolubilmente congiunti elementi visivi e materiali sonori, in un percorso analitico che partiva da una riflessione sulle categorie di spazio e di tempo all’interno dell’arte.
Paradossale assunto di fondo di “ Untitled” era quello di misurare lo spazio attraverso ilsuono, o meglio, di trovare un suo equivalente sul piano sonoro.” Percorrerlo, coglierne le specifiche qualità volumetriche, dimensionali, visive, acustiche; misurarlo con il metro del tempo, trovare una legge che lo governi e stabilisca una relazione con il soggetto che l’attraversa; farlo rispondere a sollecitazioni sonore per scoprire il suo “Suono”, l’unicità e l’irripetibilità del suo risuonare in rapporto a cio che in esso accade” : così Ferruccio Ascari, in uno scritto di presentazione di questo suo lavoro. “ Untitled” venne successivamente riproposta col titolo di Vibractions I e Vibractions II ed esiti, non solo sonori, ogni volta differenti in due diversi luoghi: la settecentesca Cappella del Collegio Universitario Cairoli, a Pavia nel ’79 , il teatro Aut/Off di Milano nell’80.
I rapporti spaziali qualificanti il luogo in cui di volta in volta l’installazione si situava /tipologia architettonica/volumi/ dimensioni/ venivano letteralmente ri-prodotti, ri-presentati attraverso un reticolo di corde armoniche che percorrevano l’ambiente lungo il pavimento, le pareti, il soffitto. Le corde armoniche, erano ancorate ai due estremi a tronchi di cono metallici che fungevano da cassa di risonanza. Il ‘materiale sonoro’ – progettato e realizzato secondo proporzioni matematiche ricavate dai rapporti volumetrici dell’ambiente – diveniva in tal modo lo strumento con cui indagare la specificità acustica dello spazio, coglierne l’identità più riposta, ‘ scoprirne il suono’, come diceva Ascari, ossia rivelarne l’anima. Il momento della ‘rivelazione’ era affidato alla performance, durante la quale l’ambiente/strumento veniva ‘suonato’ da un numero sempre variabile – in relazione allo spazio dato – di strumentisti/attanti: ciascuno dei quali con plettri, archetti di violino, martelletti, metteva in vibrazione le corde armoniche, eseguendo una partitura anch’essa desunta – attraverso proporzioni matematiche – dai rapporti volumetrici informanti lo spazio.
Da un’ampolla collocata sul soffitto gocce d’acqua cadevano con regolarità su di un grande disco di metallo ancorato tramite molle ad un treppiede : il loro suono, amplificato attraverso un microfono scandiva il tempo dell’evento, la sua durata. Un filmato a loop riproducente l’ambiente nella sua perimetralità mentre veniva percorso dagli attanti/strumentisti, veniva proiettato sull’ambiente stesso: il proiettore posto su di una base rotante ripercorreva otticamente il tracciato percorso dagli strumentisti medesimi. Untitled si costituiva pertanto su tre piani in stretta relazione: l’installazione, la performance, il filmato.
Nell’installazione le corde armoniche che percorrevano le pareti secondo una scansione spaziale determinata matematicamente, tendevano a farsi suoni ”visibili”
concettualmente, ancor prima o comunque al di là dell’essere fatte vibrare.
Nella performance l’azione esercitata sulle corde era atto di “ dis/in/canto, nel senso primo della parola, che produce vibrazioni appunto. Le vibrazioni nel loro risuonare e smorzarsi creavano nello spazio una sorta di movimento immateriale, tendevano a diventare immagini “acustiche”. L’intero ambiente diveniva dunque uno strumento percorso da corde armoniche.
Il filmato riproducente l’ambiente nella sua perimetralità, riproiettato sull’ambiente stesso, dava luogo ad una sorta di vortice visivo: la proiezione e l’azione si andavano indefinitamente annodando e sciogliendo in un rapporto di illusione/delusione.
Di questo lavoro, concettualmente e visivamente legato al clima di ricerca radicale di quegli anni sono rimasti alcuni materiali di lavoro, qualche scarno appunto, alcune foto e una registrazione sonora realizzata nella settecentesca Cappella del Collegio Universitario Cairoli, a Pavia, che ospitò nel 1979 una seconda versione di questo lavoro col titolo di Vibractions.
A più di trent’anni di distanza, nel 2012, Ferruccio Ascari riprenderà questo lavoro in una serie di installazioni ambientali tra cui Vibractions 2012 e Casa Anatta [Non Io][/read]

Manifesto “Audio Works”, Sixto notes, Milano, 1978

Vibractions II, installazione sonora, performance, Teatro OutOff, Milano, 1980 [PE0001]

Vibractions I, installazione sonora, performance, Cappella del Collegio Universitario Cairoli, Pavia, 1979

Untitled, installazione sonora, performance, Sixto Notes, Milano 1978

Disegni preparatori

Appunti di progetto

Video correlato: Vibractions 1978-2012. 06’34”, 2015